LA COMPOSICIÓN

ORGANIZACIÓN DE LA FORMA Y SU ENTORNO EN EL PLANO

La tarea de analizar la composición de una obra debe comenzar con la pregunta:

¿Que es lo que hace a este conjunto algo singular y reconocible?

¿QUE ES COMPONER?

Es un proceso organizativo mediante el cual se ordenan sobre el plano o en el espacio, los elementos del lenguaje plástico y visual con intenciones expresivas determinadas.

En esta imagen puedes ver elementos en claro desorden, están revueltos

En esta otra imagen, en cambio los elementos se agrupan formando líneas .
De esta manera se consigue transmitir la sensación de orden y equilibrio

FACTORES QUE INTERVIENEN EN EL PROCESO DE COMPOSICIÓN

• Ejes o esquemas compositivos,
• Formato
• Figura y fondo
• Peso y equilibrio
• Simetría
• Ritmo y movimiento
• Proporción

ESQUEMAS COMPOSITIVOS

El esquema compositivo es un conjunto de líneas maestras que organizan los espacios donde van a estar los elementos visuales.

Observa como en este cuadro de Roger Van Der Weiden organiza los elementos de la composición bajo una determinada ordenación que se define por unas líneas de fuerza que articulan las formas de la imagen de ellas, en alguna medida depende del equilibrio de una imagen.

Composición combinada de dos o mas esquemas compositivos que le da mayor sensación de complejidad.

Composición con forma de espiral que produce efectos de movimiento.

Composición con presencia de lineas curvas y oblicuas que producen sensación de dinamismo.

EL FORMATO

• El formato tiene que ver con la forma y orientación de una superficie.
• El formato es todo ese espacio donde se configura la composición.
• Según el formato de una obra varían sus cualidades expresivas.

TIPOS DE FORMATOS

Formato Vertical.- Sensación visual de equilibrio y elevación. Se ha utilizado mucho para temas religiosos porque potencia el sentido de elevación y espiritualidad.

Formato Horizontal.- Calma y estabilidad. Muy utilizado en temas de paisaje y en bodegones, donde ayuda a crear el efecto de orden de sus elementos.

Formato Triangular.- Da gran estabilidad a las formas situadas en su base y limita la expresión de las formas en la parte superior.

Formato Circular.- Movimiento envolvente.

Formato cuadrado.- Centra la visión y equilibra las tensiones visuales.

FIGURA Y FONDO EN LA COMPOSICIÓN

• El campo visual es el espacio que ocupan las formas y los colores.
• En el campo visual podemos distinguir entre figura y fondo.

PESO VISUAL

El peso visual, o centro de atención, es el centro e interés de la composición, las formas o colores que llaman la atención, hacia donde se dirige la mirada.

En el peso visual influyen, entre otros, los siguientes factores.

Tamaño.- A mayor tamaño corresponde mayor peso.

Color.- Los colores cálidos, como el rojo, pesan mas que los fríos, como el azul.

Tono.- Los tonos claros sobre fondo oscuro pesan más que los oscuros debido al contraste.

Ubicación.- Una posición fuerte sobre la armazón estructural (es decir, bien centrada en coincidencia con alguno de los ejes principales horizontal, vertical y las diagonales) puede aguantar más peso que otra descentrada o alejada de dichos ejes.

EL EQUILIBRIO VISUAL

El equilibrio visual se consigue con la distribución y compensación correcta del peso visual y de la dirección de las formas.

LA SIMETRÍA

• Es un sistema básico que permite la colocación ordenada de las formas
• Las formas se organizan respecto a un eje

La simetría es axial si la figura completa puede ser generada por repetición de una de sus mitades, reflejándola en un espejo ideal, situado en la línea imaginaria (eje de simetría) que la divide en dos partes iguales.

La simetría central se caracteriza porque todos los elementos de la figura ocupan posiciones iguales respecto de un punto común, por el que pasan todos los ejes de la simetría de la figura.

Si al hacer media vuelta la figura queda igual diremos que tenemos simetría central.

RITMO Y MOVIMIENTO

El ritmo es el principio del arte que indica el movimiento con la repetición de elementos u objetos.

La semejanza es un factor dentro del ritmo, porque allí donde hay semejanza hay repetición y, por lo tanto, ritmo y cadencia

El movimiento visual es el principio del arte usado para crear la impresión y la sensación de acción y para guiar los ojos del observador por la obra del arte.

En consonancia con la idea de ritmo y de semejanza se encuentra la noción de proporción, la cual refiere a la relación existente entre elementos de similar configuración pero de diferente tamaño.

ELEMENTOS DE LA COMUNICACIÓN VISUAL

EL PUNTO

Puede configurar formas y lineas, por medio de la alineación y la agrupación.

• El punto según como se lo agrupe puede dar la sensación de volumen
• El punto crea composiciones dinámicas

EL PUNTO EN EL ARTE

Vasíli Kandinsky

 (Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y elAlmanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Paul Klee

(Münchenbuchsee, 1879-Muralto, 1940) Pintor suizo. Hijo de un profesor de música, realizó estudios clásicos en Berna. Se inscribió en la Academia de Munich, donde tuvo como profesor a Franz von Stuck (1898-1900) y se familiarizó con las teorías del Jugendstil, que más tarde pondría en práctica en obras como Cabeza amenazadora, 1905.

De regreso a Berna, prosiguió su período formativo centrándose en la música, lo gráfico, la lectura de clásicos y en la observación de las obras de Blake, Klimt, Goya y, en París, de Leonardo y Rembrandt. Posteriormente, realizó una serie de dibujos inspirados en Van Gogh, Cézanne, Matisse y otros representantes de la escuela francesa.

En 1911 entró en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El caballero azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, V. Kandinsky y F. Marc, así como a Kubin y a Macke, con quienes expuso al año siguiente en Berlín. En París se relacionó con Delaunay y el clima cubista y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color (en los que influyó notablemente su viaje a Tunicia, en 1914, con Louis Moilliet y Macke), con primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra.

 En 1920 ingresó en la Bauhaus de Weimar, donde fortaleció su método de análisis, y en 1924 junto con Kandinsky, Feinenger y Jawlensky, formó el grupo de los Blaue Vier (los cuatro azules). Las obras realizadas durante este periodo están repletas de imágenes misteriosas y de zonas cromáticas acompañadas de tenues signos gráficos (Teatro botánico).

Tras ser profesor de la nueva Bauhaus de Dessau y de la Academia de Düsseldorf la condena nazi de su obra le obligó en 1933 a exiliarse a Berna, donde, en claro paralelismo con la esclerodermia que contrajo, su producción adquirió un tono simbólico y dramático con elementos temáticos esquematizados progresivamente hasta convertirse en ideogramas.

Ademas de diarios, Klee escribió artículos acerca de su obra, que pueden considerarse como teorías del arte moderno.

Joan Miró

(Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España, 1983) Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp.

De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos.

Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior.

Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). La otra gran influencia de la época vendría de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos. 

En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho. 

La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines.

Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona (1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica, realizados en colaboración con Llorens Artigas. En las décadas de 1950 y 1960 realizó varios murales de gran tamaño para localizaciones tan diversas como la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard o el aeropuerto de Barcelona; a partir de ese momento y hasta el final de su carrera alternaría la obra pública de gran tamaño (Dona i ocell, escultura), con el intimismo de sus bronces, collages y tapices. En 1975 se inauguró en Barcelona la Fundación Miró, cuyo edificio diseñó su gran amigo Josep Lluís Sert.

Roy Lichtenstein

(Nueva York, 1923) Pintor estadounidense. Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una serie de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. De entre sus pinturas, siempre de gran formato, cabe destacar Takka, Takka (1962) y el óleo Nos elevamos lentamente (1964), donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal. A partir de 1979 realizó también esculturas.

LA LINEA

Cuando los puntos están tan próximos entre sí que no pueden reconocerse individualmente aumenta la sensación de direccionalidad y la cadena de puntos se convierte en otro elemento distintivo lo cual es la linea

La Linea por lo general nunca es estática, es infatigable y el elemento visual por excelencia de boceto.

Siempre que se emplea la linea se la conoce como un instrumento esencial de la pre-visualización, es el medio de presentar en forma palpable aquello que todavía existe solamente en la imaginación por ello es enormemente útil para el proceso visual.

Las propiedades de una linea vendrán definidas por:

• Su grosor
• Su longitud
• Su orientación
• Su ubicación
• Su forma
• Su color

Tipos de Lineas:

• Lineas Rectas Horizontales
• Lineas Rectas Verticales
• Lineas Oblicuas
• Lineas Curvas

Lineas Rectas Horizontales.- Estas lineas expresan sensación de reposo, tranquilidad, frialdad y quietud

Lineas Rectas Verticales.- Estas Lineas darán sensación de fuerza, elegancia, superación, actitud.

Lineas Oblicuas.- Estas lineas expresan inestabilidad. Si son concurrentes dan sensación de profundidad.

Estas lineas se caracterizan por poseer cualquier tipo de inclinación.

Lineas Curvas.- Esta linea es la más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico sin reglas.

EL CONTORNO

Es un objeto gráfico que se forma cuando el trazo de una linea comienza y acaba en el mismo punto. Podría decirse que los contornos más básicos son:

• El cuadrado
• El circulo
• El triangulo

El Cuadrado.- Es una figura de cuatro lados con ángulos rectos exactamente iguales en sus esquinas y lados ya que tienen exactamente la misma longitud.

El Circulo.- Es una figura continuamente curvada, cuyo perímetro equidistante en todos sus puntos del centro representan tanto el área que abarca como el movimiento de rotación que lo produce.

El Triangulo Equilatero.- Es una figura de tres lados cuyos ángulos y lados son todos iguales. Es una figura estable con tres puntos de apoyo, uno en cada vértice, aunque no tan estático como el cuadrado.

La Dirección.- Todos los contornos básicos expresan tres direcciones visuales básicas y significativas:

• El cuadrado, la cual tiene la horizontal y la vertical.
• El triangulo, la cual tiene la diagonal.
• El circulo, la cual tiene la curva.

Horizontal y Vertical.- Constituye la referencia primaria del hombre respecto a su bienestar y su maniobrabilidad. Su significado básico no solo tiene que ver con la relación entre el organismo humano y el entorno; sino también con la estabilidad en todo lo relacionado con lo visual.

Diagonal.- Tiene importancia grande como referencia directa a la idea de estabilidad. Es la formulación opuesta, es la fuerza direccional mas inestable y en consecuencia la formulación visual más provocadora.

Curvas.-Las fuerzas direccionales curvas tienen significados asociados al encuadramiento, la repetición y el calor.

Textura.- La Textura es la forma como se siente la superficie (textura actual) o como puede ser observada (textura implícita). Las Texturas son descritas con palabras como áspero, sedoso o rugoso.

Escala.- Definimos el concepto de escala, cuando todos los elementos tienen la capacidad de modificarse y definirse unos a otros.

La escala normalmente se usa en la cartografía, planos, mapas… para poder representar una medida proporcional al del tamaño real. Es cuando citamos, este plano está en escala 1:10. Este concepto, hace referencia, que para realizar el plano, se ha aplicado un factor de reducción determinado, para poder dibujarlo o plasmarlo en un lugar más pequeño, pero sin que pierda sus proporciones.

Movimiento.-  Propiedad muy importante, que aporta connotaciones de dinamismo y fuerza. En las obras gráficas puras no existe movimiento real, pero sí se encuentra implícito en ciertos elementos y se puede conseguir con ciertas técnicas que engañan al ojo humano (diseño cinético, pintura cinética) o representando elementos que sí lo tienen en el mundo real.

EL COLOR

El Color es la impresión producida al incidir en la retina los rayos luminosos difundidos o reflejados por los cuerpos. Algunos colores toman nombre de los objetos o sustancias que los representan naturalmente. Orientado al espectro solar o espectral puro, cada uno de los siete colores en que se descompone la luz blanca del sol: rojo, naranja, amarillo, verde, azul turquesa y violeta.

Importancia.- Tiene capacidad de expresión, significado y provoca una reacción o emoción. Cuanto más intensa o saturada es la coloración, más cargado está de expresión y emoción.

Construye, porque todo color posee un significado propio, capaz de comunicar una idea. El color no sólo tiene un significado universalmente compartido a través de la experiencia, sino que tiene también un valor independiente informativo a través de los significados que se le adscriben simbólicamente.

Por tanto, hay que tener siempre presente la importancia del color en nuestros diseños:

El color es uno de los medios más subjetivos con el que cuenta el diseñador. Dado que la percepción del color es la parte simple más emotiva del proceso visual, tiene una gran fuerza y puede emplearse para expresar y reforzar la información visual.

• Tiene mucho poder de atracción o rechazo dependiendo del uso que se le dé.
• Los colores también dan sensación de movimiento.
• Las emociones, sensaciones, y en definitiva todo lo que los colores pueden llegar a expresar y hacer sentir al espectador forma una parte fundamental de la base de un buen diseño.
• El color, como elemento claramente evidenciado de nuestro diseño, puede ser la clave de nuestro éxito. Tanto si pensamos en ello como si no, si nos damos cuenta o no de ello, estamos cargando de significados cuando elegimos un color.

Cada color tiene un significado y expresa una sensación agradable o desagradable, fria o cálida, positiva o negativa. El estudio de la influencia psicológica de los colores, es hoy en día una ciencia que se aplica a muy diferentes campos debido a la importancia que puede tener en los ambientes, en la vida diaria y en la publicidad. También hay que tener en cuenta, que el color puede cambiar su significado dependiendo del país y su cultura, y al igual que el color, hay otros elementos (circulo, cuadrado u otra forma) que las personas pueden asociar con un concepto diferente al que normalmente se le atribuye a dicho elemento. La función de los elementos gráficos, no es simplemente adornar, sino atraer, representar la realidad y proporcionar más información que la escrita, o hacerla más evidente.

El contraste.- es una parte importante del diseño, ya que muchas veces significa la diferencia entre un diseño que se ve muy bien y uno que es ilegible o doloroso para mirar. Pero a veces puede ser difícil decidir qué colores funcionan bien en contraste con los demás. Esta tabla nos ayudará en los colores y contrastes de frentes y fondos. 

Una cosa que debemos tener en cuenta es que el contraste es algo más que el brillo de un color que se compara con el fondo. Como podemos ver, algunos de estos colores son muy brillantes y vibrantes sobre el color de fondo – como el azul sobre negro. Pero la etiqueta nos marca que es como tener un contraste pobre, porque si bien es brillante, hace que el texto sea difícil de leer. Si fuéramos a crear una página con texto azul sobre un fondo negro, causaríamos

EL SIGNIFICADO DE LOS COLORES

Rojo.- Es un color que parece salir al encuentro, adecuado para expresar la alegría entusiasta y comunicativa; es el más exitante de los colores, puede significar: pasión, emosión, acción, agresividad, peligro

Azul.- Es un color reservado y que parece que se aleja, puede expresar confianza, reserva, armonía, afecto, amistad, felicidad, amor.

Verde.- Reservado y esplendoroso, es el resultado del acorde armónico entre el cielo -azul- y el sol -amarillo- es el color de la esperanza y puede expresar: naturaleza, juventud, deseo, desarrollo, equilibrio

Amarillo.- Irradia siempre en todas partes y sobre todas las cosas, es el color de la luz y puede significar: egoísmo, celos, envidia, odio, adolescencia, risa, placer.

Anaranjado.- Es el color del fuego

Rosa.-  Su significado: ingenuidad, bondad. ternura, buen sentimiento, ausencia de todo mal.

Violeta.- Significa: calma, autocontrol, dignidad, asistencia, también significa violencia, agresión premeditada, engaño.

Blanco.- Expresa: inocencia, paz, infancia, divinidad, estabilidad absoluta, calma, armonía, para los orientales es el color que indica la muerte.

Negro.-Es el colorido de la disolución, separación, tristeza, determina todo lo escondido y velado: muerte, asesinato, noche, sensaciones positivas como: seriedad, nobleza, pesar.

Gris.- Expresa desconsuelo, aburrimiento, pasado, vejez.

Colores Primarios:
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores.

Colores Secundarios:

Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja o anaranjado (S).

Colores Terciarios:

Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja), rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta).

Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.

Mezcla.- Es fundamental tener en cuenta que el color que se obtenga de una mezcla de dos o más pinturas depende de las proporciones utilizadas en la combinación. Es decir, para reproducir ese color en una mezcla posterior, las proporciones deberán repetirse con exactitud. Cuanto más varíen, mayor será la diferencia entre los resultados obtenidos. 

Los colores básicos son el rojo, el azul y el amarillo, además del blanco y el negro. A partir de las combinaciones entre ellos, se pueden obtener todos los demás. El siguiente cuadro detalla -de un modo orientativo- las proporciones que se deben respetar para obtener colores como resultado de la mezcla de esos tonos básicos. 

· Verde: 1 parte de azul y 1 de amarillo 

· Naranja: 1 de rojo y 2 de amarillo 

· Rosa: 3 de blanco y 1 de rojo 

· Violeta: 5 de azul y 2 de rojo 

· Azul claro: 1 de blanco y 1 de azul 

· Turquesa: 5 de azul, 1 de amarillo y 1 de blanco 

· Marrón: 2 de azul, 2 de amarillo y 1 de rojo 

· Ocre: 4 de amarillo, 1 de negro y pizcas de rojo y azul 

· Marfil: 1 de blanco, 1 de negro, 4 de amarillo y una pizca de rojo 

· Carne: 10 de blanco, 4 de amarillo, 2 de rojo, 1 de negro y una pizca de azul 

· Gris: 2 de blanco y 1 de negro 

Síntesis Aditiva.- Al hablar de la síntesis aditiva del color debemos de hablar del color-luz, es decir del color como radiación de luz. En este caso los colores primarios (con los que podemos formar los demás) son el rojo, el verde y el azul.

Hay que darse cuenta que al mezclar luces de color, los colores resultantes de la mezcla van a ser siempre más luminosos que los originales.

Podemos ver un ejemplo muy claro en la pantalla de los televisores o en los monitores. Si miramos con una lupa veremos que la pantalla está formada por multitud de celdillas. Cada una de ellas con tres bandas verticales de colores rojo, verde y azul. Podremos comprobar como cada una de las bandas está más o menos iluminada dependiendo del color de la zona de la pantalla.

Síntesis Sustractiva.- Cuando nos referimos a la síntesis sustractiva del color, nos referimos al color como pigmentos, como pintura. Los pigmentos no emiten luz sino que sustraen (absorben) parte de las radiaciones de la luz. Dependiendo que radiación de luz absorban los veremos de uno u otro color. Como cada pigmento quita parte de la luz cuantos más pigmentos mezclemos más oscuro será el color que obtendremos.

Los colores primarios en la síntesis sustractiva son el magenta, el amarillo y el azul cian.

Este sistema es el que utilizamos cuando pintamos, el que utilizan las impresoras en color y las imprentas. Fíjate en esta ampliación de una fotografía de una revista.

Vemos como la imagen se forma a base de puntitos de los colores primarios. Como la absorción de la luz de cada pigmento no es perfecta el color que se obtiene mezclando tintas o pigmentos de los tres colores primarios no es el negro puro (como debería ser en teoría) por lo que en las imprentas se añade también tinta negra para dar mayor profundidad a las zonas muy oscuras. Es el proceso llamado Cuatricomía.